L’exposition Dans le flou, une autre vision de l’art de 1945 à nos jours (Jusqu’au 18 août) a sa source dans un chef-d’œuvre: Les nympheas par Claude Monet. Un grand décor installé depuis 1927 au Musée de l’Orangerie, dans le jardin Tuileries, à Paris. Un imprécision règne sur ces grandes compositions aquatiques peuplées de lys d’eau. Ses contemporains l’ont attribué à un problème de vision du peintre, affecté à la fin de sa vie par une maladie oculaire. Les commissaires de l’exposition jugent plus pertinent pour explorer cet imprécision en postulant qu’il s’agissait d’un véritable choix esthétique du maître de l’impressionnisme.
Ce brouillard intrigant a depuis prospéré, refusé par de nombreux artistes au moyen de diverses techniques. La voie thématique de l’exposition est destinée à «en même temps sensible, historique, poétique et politique », Selon les paroles de Claire Bernardi, directrice du Musée d’Orangerie et commissaire d’exposition. Parmi les soixante artistes représentés, plus de la moitié sont toujours en vie. Voici un petit éloge de l’indistinct esquissé avec sept nuances de flou.
1 La «dernière vision» d’Auguste Rodin
Dans la première salle, en tant que prologue, dialogue très différent des œuvres: le paysage le plus ancien et brumeux peint par William Turner vers 1845, joué Le bassin Nympheas, l’harmonie rose par Claude Monet et un cube de condensation transparente de l’artiste conceptuel Hans Haacke, piégeant à la fois le brouillard et l’instabilité de notre environnement. Le bloc de marbre blanc d’Auguste Rodin prouve que le flou et la sculpture ne sont pas contradictoires, comme on pourrait le penser. L’artiste brouille les contours de ses billes, vibrant le matériau. Emilia Philippot, co-commissaire de l’exposition, explique que Rodin a pratiqué le «pas fini«, Laisser certaines zones dans un état brut, avec des traces d’outils, alors qu’il polissait d’autres «De manière très délicate d’obtenir un effet vaporeux». Ce travail de 1902 est également baptisé Avant de couler. “Sur se sent vraiment commea déclaré le conservateur du National Heritage Institute, que les chiffres découlent du bloc et en même temps qu’ils sont aspirés par lui ». Cela est particulièrement vrai pour le personnage inférieur “qui voile les yeux et semble être détruit par une vision intérieure«. Le travail a vraiment une dimension spectrale.
2 «Hommage à Monet» par Vincent Dulom
Vous devez prendre le temps de vous arrêter devant ces travaux spécialement conçus pour l’exposition. Plus nous l’observons, plus il nous échappe, vraiment insaisissable. Juliette DeGennes, conservatrice du Musée de l’Orangerie, dit que l’artiste, Vincent Dulom, a d’abord conçu son projet sur ordinateur avec les derniers outils numériques. Il a ensuite produit sa peinture en déposant sur la toile, dans un seul passage, un film de pigments utilisant une imprimante. “”Qu’est-ce qui est fascinantElle a dit, C’est l’œuvre de couleur. Lorsque vous faites face au travail, vous voyez ce halo bleu indistinct et non partagé. Plus nous le regardons, plus il évolue. Si nous restons concentrés, il commence à sauter, à bouger. ” Nous passons le test et nous voyons que c’est vrai. Elle nous souligne également qu’après quelques minutes, le halo se dissout et que les pigments bleus semblent être distribués sur toute la toile, comme par magie. “”C’est la grande question de la perception des limites de notre regard qui est activée par l’œuvre elle-même«, Analyse l’expert, admirant avant cet hommage 2.0 à l’imprécision de Monet.
3 L’étagère fantôme de Claude parmi lesggiani
Plus figuratif, cette œuvre est signée par un artiste proche d’un mouvement italien né dans les années 1960, l’Arte Povera [Art pauvre]. Ses moyens de création s’opposent à la logique productiviste de la société de consommation. Selon Juliette DeGennes, Claudio parmi lesggiani travaille ici avec «Des matériaux insaisissables, fragiles et volatils qui donnent un effet vague ». Il Utilisez une technique qui baptise les «incendies contrôlés». “”Il va dans une pièce et met le feu volontairement, explique le conservateur. Il laisse le travail être fait avec la suie qui est déposée sur la scène. Puis il vient enlever les objets et les meubles pour faire une empreinte«, Dit le conservateur. Sur ce panneau, de la suie et de la fumée conçus, comme dans le négatif, le fantôme d’une étagère couverte de livres, de contours vaporeux. Le choix de la bibliothèque n’est pas trivial.”L’artiste fait référence aux autodafés que nous connaissons dans l’histoireDéchiffre Juliette Degennes, Et à ces images qui nous ont atteint d’Hiroshima avec les empreintes sur les murs des corps humains vaporisés par la bombe atomique ». Derrière la vague, cache parfois un message politique.
4 11 septembre de Gerhard Richter
Cette petite toile, qui pourrait facilement passer inaperçue, est cependant l’une des plus fortes de l’exposition. “”C’est devenu l’icône d’une image emblématique“, Soutient Claire Bernardi. Gerhard Richter a fait une photo très médiatisée des attaques du 11 septembre 2001 à New York: la collision du premier avion sur la tour nord du World Trade Center. À première vue, il s’agit d’une peinture très abstraite et presque illisible.”C’est le fait de connaître l’image sourceexplique le commissaire, ce qui lui permet de le déchiffrer. Ce que nous voyons, c’est le geste du peintre qui vient, avec de grands coups de pinceau, placez la peinture sur l’image des deux tours jumelles, qui est elle-même peinte“. La superposition des couches, comme souvent dans l’artiste allemand, crée”Un imprécision de surface«Il utilise les matériaux granulaires qui rougissent la vue et la force à mieux paraître, transcrivant également dans la peinture du brouillard des écrans de télévision d’un monde saturé d’images. Richter dit que sa relation avec la réalité a toujours eu à voir avec le flou le plus représenté avec l’insécurité, l’incomplétude et l’inconscience.
5 Photo indescriptible d’Alfredo Jaar
Cette grande photo, vibrante comme une peinture de Cezanne, a été prise par l’artiste, architecte et réalisateur chilien Alfredo Jaar, dans le cadre d’un long projet qu’il a consacré au génocide des Tutsis au Rwanda en 1994. Cette jeune fille en bleu a été témoin du massacre de son père et de sa mère avec une machette. Alfredo Jaar avait pris rendez-vous avec elle, mais quand ils répondent à ses questions, l’adolescente, incapable de dire un mot, l’a laissée en arrière. Dans un mouvement réflexe, il a ensuite saisi son avion et a pris ce tir sans cadre, sans faire le point. «Cette image floue, dit-il, représente mon incapacité à raconter l’expérience de cette femme ou de l’expérience du Rwanda – l’impossibilité. “
6 La «métamorphose» de Philippe Coigné
Cet artiste français a développé une technique très spéciale qui lui permet de jouer avec un flou dans ses œuvres. “”C’est une peinture de cire sur toileDécrit Claire Bernardi. Philippe Coigne d’une manière figurative, parfois très réaliste, parfois moins, des images qu’il fait à partir de photographies prises lors de ses voyages à de grandes mégalopolises. “”Ici, c’est un grand ensemble de maisons à Tel Avivinforme le commissaire. Et une fois qu’il a appliqué sa peinture à un accent, il prend un fer et le passe en partie sur la toile, ce qui fait fondre la cire“. Cette technique incroyable donne l’impression que les tours se désintégrent. Selon elle,”C’est aussi un moyen d’évoquer la saturation des grandes mégalopoles et de remettre en question notre relation avec le collectif ». Le résultat est à la fois esthétique et dérangeant.
7 Blaze de Léa Belooussois
La seule femme de notre sélection, elle se distingue également par le soutien utilisé : Un morceau de laine en feutre, un matériau isolant qui pourrait être trivialement par rapport à un morceau de tapis. Léa Belooussovitch, née en 1989, utilise des crayons de couleur sur «Ctexture ardente qui absorbera la couleur et en même temps penser“, Selon la co-commissaire de l’exposition, Emilia Philippot. Elle travaille également selon les images des médias qu’elle s’abstient.”Ici, elle s’est concentrée sur un détail des méga-fines qui ont ravagé la Californie en 2021 », Elle se développe, Dans une série intitulée Brasiers. “ Avec ce parfum soufre, l’artiste met en évidence la question de l’urgence climatique. Et son message n’est rien flou.
Exhibition “In the Flou” at the Musée de l’Orangerie du 30 Avril à 18 ans août 2025
Ouvert tous les jours, sauf mardi, de 9h30 à 18h
Prix plein à 11 Euros, prix réduit à 8,5 euros
Gratuit le premier dimanche de chaque mois par réserve obligatoire
